Alan Moore tiene un severo problema cuando sus obras son traducidas a cualquier otro medio que aquel que él decidió era el adecuado para sus historias. Comenzando con la terrible adaptación de The League of Extraordinary Gentlemen, con Sean Connery como protagonista, y seguida de una lista de filmes con resultados mixtos (From Hell, V for Vendetta y The Watchmen, mas recientemente), no son los resultados económicos los que preocupan a Alan, sino la perdida de la identidad de sus obras.

DC Comics ha anunciado la producción de una serie de comics enfocados en los diferentes personajes centrales de su multipremiada obra Watchmen, por supuesto, con un nuevo y variado grupo de escritores y artistas y esto a logrado que nuevamente Moore se reporte listo para entrar a una nueva batalla de dimes y diretes contra los grandes poderes del entretenimiento.

Con el paso de los años Moore ha tratado con uñas y dientes de evitar que sus obras escapen de su control y se ha visto frustrado una y otra vez cuando los mismos contratos que le permitieron concretar sus reconocidas obras también le han permitido a las diferentes compañías hacerse del control y lucrar.

Moore ha buscado detener producciones, sabotear producciones retirando su nombre e incluso ha llegado a negarse a recibir el dinero que legalmente le pertenece, todo esto rodeado de berrinches, pucheros y reclamos que, imagínese, no han evitado que la producción siga su marcha.

Con respecto a la nueva serie de precuelas, Alan ha sido claro que no desea dinero, sino que desea que “esto nunca llegue a realizarse”. Moore basa su petición en que estas secuelas son una clara muestra de falta de ética ya que básicamente están robando su obra. J. Michael Straczynski, uno de los escritores involucrados en las precuelas, ha dicho que tomar a los personajes de Alan Moore no  es diferente a lo que Alan Moore hizo al tomar a los personajes de obras literarias y unirlos para su The League of Extraordinary Gentlemen.

Alan Moore rápidamente regresó la cortesía explicando que existe una gran diferencia entre  robar a los personajes, como el hizo, y privarlos de su contexto original integrandolos a un nuevo universo (en el caso de la League of Extraordinary Gentlemen, la Inglaterra Victoriana) y otra muy diferente la de robar tanto el contexto como los personajes de alguien mas y tratar de lucrar con ello.

Más allá de quien tiene la razón o no, Moore parece empecinado en sufrir y enfrascarse en discusiones perdidas hace ya muchos años, cuando bien podría tomar una actitud positiva y sacar provecho de las oportunidades que se le presentan.

Cuando DC finalmente se atrevió a lanzar Watchmen y vivieron de primera mano el éxito y, aceptémoslo, el dinero, DC le ofreció tanto a Moore como a Gibbons (co-creadores) la posibilidad de crear una secuela de 12 tomos enfocándose a cosas como el diario de Rorschach o la bitácora de guerra del Comediante y ambos declinaron, si acaso con Moore enfatizando su descontento ante la posibilidad de que alguien mas ocupara su lugar como escritor. Esto sucedió en 1986.

En el 2010, de acuerdo al mismo Moore, DC le ofreció regresarle los derechos de Watchmen a cambio de que se involucrara en proyectos de precuelas o secuelas para la serie. Alan Moore se negó, objetando que eran términos inaceptables. Que simplemente no le interesaba involucrarse en secuelas o precuelas en ese momento, que tal vez las hubiera aceptado diez años atrás, pero ya no.

Dan Didio y Jim Lee, en esos días los mandamás de DC, dijeron que solo retomarían la franquicia si el talento que tanto Gibbons como Moore habían aportado a la serie original podía, cuando menos, alcanzarse con una nueva propuesta, que no aceptarían nada por debajo de ese nivel.

Algunos meses de rumores y chismes pasaron y hace apenas unos días DC anunció que publicaría las secuelas apoyándose en el trabajo de J. Michael Straczynski, Brian Azzarello, Darwyn Cooke, y Len Wein como escritores y de los artistas Lee Bermejo, J. G. Jones, Adam Hughes, Andy Kubert, Joe Kubert y Amanda Conner.

A todos ellos, Gibbons les dio su bendición cuando fue cuestionado sobre este proyecto: “La serie original de Watchmen incluye la historia completa que Alan y yo queríamos contar, sin embargo, aprecio las razones por las que DC ha tomado esta iniciativa y el deseo de los artistas y escritores involucrados de pagar un tributo a nuestro trabajo. Espero que estas nuevas entregas tengan el éxito que ellos desean”.

Es un hecho que DC lanzará estas secuelas, de esto no cabe duda y no existe comentario elaborado ni sagacidad intelectual que logre hacer cambiar de opinión a DC, sin embargo, que diferente proyecto seria este si Alan Moore bajara las armas y se decidiera a aceptar esta realidad ineludible y que enriquecedor sería para todos los involucrados contar con la consultoría de la gran visión y talento de Alan Moore.

Se vale soñar.

Jorge Guerra

Nicolas Cage se sube nuevamente a su moto infernal para la segunda entrega de El Vengador Fantasma, en la cual interpreta a Johnny Blaze, quien, tras recrear un antiguo ritual y vender su alma mortal por una cura para su padre, se convierte en El Vengador Fantasma.

En esta ocasión Johnny (Nicolas Cage) quien se esconde en el Este de Europa en donde lucha por reprimir su maldición, será llamado por Moreau para detener al demonio que trata de tomar forma humana.

Los directores Mark Neveldine y Brian Taylor quienes han hecho mancuerna anteriormente en Crack (2006/2009) y Gamer (2009), nos presentan esta adaptación al cine de una de las más grandes leyendas de Antihéroes de la Marvel Comics.

Con una duración de 95min. El Vengador Fantasma es una explosión de acción y efectos especiales, ahora podremos apreciar a un Johnny Blaze mas desquiciado ya que durante mucho tiempo se ha dado a la tarea de tratar de controlar a este demonio que tras caer la noche busca alimentarse de almas.

La expectativa fue baja al pensar que se trataba de una segunda parte, pero como ya lo había explicado el guionista David Goyer, la historia está situada a 8 años de la primera película, y al comienzo de esta segunda parte se narra el cómo Johnny Blaze se convierte en el Vengador Fantasma, lo cual hace mas asimilable la historia ya que no hace falta haber visto la primera película para entender la trama, pues no contradice nada que haya ocurrido en esta primera parte, ya que como todos sabemos hay personas que actualmente no la han visto, es como tomar al Vengador Fantasma y ponerlo en un ambiente mas obscuro y un tanto deteriorado, sin afectar lo que sabíamos de él o en su defecto, sin importar si no estabas familiarizado con él, la historia tiene esos altibajos que nos provoca no pensar en el pasado y simplemente preocuparnos por el aquí y ahora.

“No es exactamente una nueva versión de lo mismo. No me gusta decir que es más realista, porque tiene una calavera ardiendo en la cabeza, pero es un poco más desmontada y oscura. Lo que está claro es que es otro tono. Esta aportará lo mismo a “Ghost Rider” que “Casino Royale” a las de Bond.” –David Goyer, guionista

La historia va a buen ritmo, no tiene grandes lagunas ni se ve apresurada por terminar y resolver todo al final, simplemente lleva su ritmo y mantiene al espectador en estado de interés  por la trama y a la espera del siguiente movimiento de nuestros personajes.

Probablemente los fans de este Antihéroe se estarán preguntando qué tan redituable es ir a ver esta segunda parte, y la verdad es que después de saber que Disney comprara la Marvel, uno pone en tela de duda si la trama (recordando que en este caso hablamos de un demonio que se alimenta de almas) estará a la altura en la pantalla grande.

Lo que puedo decir al respecto es que los efectos esquizofrénicos de Blaze a la hora de enfrentarse a si mismo y debatir entre dejar salir al demonio o no, nos remontan a la locura, además se muestra un Vengador Fantasma más deteriorado en su aspecto, ya que la chamarra y el pantalón de piel utilizados por el personaje se ven desgastados y casi a punto de caer hecho cenizas, son muy parecidos a lo que vimos en Ultimate Ghost Rider, las flamas del fuego en la calavera fueron diseñadas más pequeñas y su expresión es manipulada mediante sus emociones o pensamientos para mostrar más la actitud perturbada del motorista, su movimiento es turbio en momentos, además de contar con ese efecto de repetición corta dándonos la idea de la demencia apunto de explotar y el constante tambalear de un lado al otro nos muestra que el Vengador Fantasma estaba deseoso por salir de su prisión dentro del mismo Blaze, La mayoría de los escenarios son de noche para poder estar pendiente al 100 de la presencia del Vengador Fantasma, y asi, mostrar todo el potencial del fuego que nunca falta en el desarrollo de este largometraje, el toque de heavy metal y rock en el fondeo musical de la ambientación le da vida propia a cada acción y reacción del Vengador Fantasma.

Ahora bien en cuanto a la actuación de Nicolas Cage tenemos que hacer una pausa y puntualizar que la idea de ver a este Antihéroe, es justamente percibir a un hombre fuerte, ágil y por supuesto atractivo, de las cuales solamente una de las antes mencionadas podemos apreciar en el, definitivamente la sorpresa de ver a un Nicolas Cage mas recuperado es estupenda, sin embargo hay papeles de los cuales creo debería pensar dos veces antes de interpretar, no digo que la carrera de Cage este por terminar es solo que en ocasiones la presencia de este actor seria más familiar con un personaje apropiado para su edad y es que hay un punto dentro de la esquizofrenia fabricada por el Vengador Fantasma en la que uno siente que el mismo Cage está haciendo burla de la situación ya que se ve algo desesperado por mostrar la desesperación de Blaze.

Dentro de los distintivos personajes que esta historia nos propone nos encontramos con grandes personalidades del cine como Nicolas Cage(Johnny Blaze/ Ghost Rider), Violante Placido (Nadya), Ciarán Hinds(Roarke), Idris Elba(Moreau), Johnny Whitworth(Ray Carrigan), Fergus Riordan(Danny) y Christopher Lambert(Methodius).

Sin duda esta película está planeada para llegar a los admiradores de la primera entrega y para los que apenas se presentaran formalmente con este personaje, también en un caso menos exigente, para los amantes y fans de este comic, ya que sin duda respeta el seguimiento de los hechos descritos en dicha historia.

Finalizando podemos decir que El Vengador Fantasma es la mejor opción para este fin de semana si están en busca de acción, aventura y una que otra explosion.

C Prz

Fue a medio día del domingo 5 de febrero, cuando escuchamos los últimos retoques de preparación, una cuantas notas sostenidas para estar todos a tono guiados por el primer violín. Un breve aplauso de bienvenida mezclado con admiración inmediata. Se levantan todos, como una ola de blanco y negro característico del saludo a la audiencia.  Jeffrey Rink entra al escenario, alto como el mástil de un barco, todos esperan sus indicaciones para estremecer a los presentes, hacerles recordar algo que el día a día amenaza con arrebatarnos. Su sonrisa sincera es una pequeña pista de lo que nos regalará en unos momentos.

Obertura a Candide, es una deliciosa obra que te lleva de la tranquilidad de la cama, navegando por los torbellinos de la mente, por sueños misteriosos, algunos inconcebibles, otros alegres, tantas cosas que están por brincar directamente de la mente a la pluma, no hay suficiente tiempo para escribir todo lo que brinca de un lado a otro en la mente de Voltaire, quien inspiró esta pieza musical. Voltaire duerme.

Son tan impresionantes las maravillas que nos brinda la música de orquesta. Realmente al cerrar los ojos, la mente navega guiada por las notas que inundan el atrio, como si fuese un pequeño reloj de arena, que gradualmente va provocando emociones cada vez más fuertes, el violín, luego el chelo, contrabajos, y el poderoso tambor. Todo perfectamente coordinado por un solo motivo, despertar tus emociones, y lo logran a la perfección. Cuando han despertado tus emociones, se viene una pequeña pausa, los aplausos del público perturban la tranquilidad, pero es la mejor manera de que disponen para agradecer lo que nos ha regalado.

Justo entonces regresa, pero esta vez no lo hace solo, Irasema Terrazas en un hermoso vestido largo azul turquesa deslumbra nuestra nuestra atención, de nuevo los aplausos resuenan. Su potente voz soprano, acompañada de armonias que inspiran a soñar despierto detienen el tiempo, todo lo que había hasta entonces en nuestras mentes se desvanece en las emociones de la obra.  Esta vez aporta a una pieza llamada “Knoxville: Verano de 1915”, por Samuel Barber (1910-1981).

Interrumpidos por un intermadio que sirve nomás para algunos , dejando en espera por más al resto, ahí en la sala.

En delante, todo será bellamente tranquilo, la mente se desvanece en los sentimientos que solo la orquesta puede guiar, a ellos les entregamos nuestros sentidos, sabiendo que los guiaran por los mejores paisajes jamás vistos.

Bellamente interpretada por la orquesta sinfónica de la UANL, la obra de Gustav Mahler, Sinfonía No. 4 en sol mayor toca…

“Contemplativo. Sin apurar

en movimiento cómodo. Sin prisa

Tranquilo

Muy cómodo”

Entre un público absorto por las notas que tan armónicamente bailaban entre los músicos de la UANL, la canción finalizó como lo mencionan en el folleto proporcionado a la entrada (escrito por Juar Arturo Brennan, crítico musical) “una inocente y directa alabanza a los placeres celestiales, a un simbólico banquete preparado en el mismo cielo, a los fértiles jardines de las alturas, a los coros y bandas angelicales y al éxtasis de la transfiguración”.

Al terminar, el estruendo de los aplausos, las caravanas de los integrantes, las personas de pie, todos desean detener el tiempo, mantenerse allí por siempre. Por un lapso de tiempo fuimos llevados lejos de esta ciudad llena de problemas, fuera de este mundo convulsionado, recobramos la alegría de vivir, la calidez de las emociones poco frecuentadas de nuestra humanidad, por un momento perdimos la noción del tiempo y nuestros sueños sanaron nuestro espíritu.

PERSONAJES

Director huésped: Jeffrey Rink

Solista: Irasema Terrazas

Orquesta Sinfónica UANL: Director artístico: Jesús Medina

Obras:

Obertura a Candide de Leonard Bernstein

Knoxville: Verano de 1915, Op.24 de Samuel Barber

Sinfonía No. 4 en sol mayor de Gustav Mahler

Reparto: Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller, Jasper Newell, Rock Duer, Ashley Gerasimovich, Siobhan Fallon

El filme está basado en el libro homónimo de la autora Lionel Shriver, se recomienda ampliamente la lectura del libro para un comparativo cultural y cinematográfico.

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Cuando una película causa ruido entre la gente, es porque es demasiado buena o demasiado mala, el problema es que las expectativas de los públicos siempre son distintas y lo que es ‘bueno’ para algunos es ‘malo’ para otros, ‘Tenemos que hablar de Kevin’ es un filme controversial, y lo seguirá siendo por el resto de la historia cinematográfica, al menos hasta que una película con temática intrépida y exasperante llegue de nuevo a la pantalla grande.

La perturbación emocional que provoca, es un reflejo directo del propósito que busca hacer la directora introspectivamente con nosotros, es como saber que vamos a devolver el estómago después de una noche intensa de borrachera, y no podemos hacer nada por evitarlo. Esta metáfora solo sirve para puntualizar, que la psicología que maneja el filme es estridente y encuentra nuestros demonios internos más alejados de la realidad.

La fotografía está planeada con una intención directa de ponernos en situaciones incómodas, la paleta de color es en tonalidades cálidas demasiado obvias, y desarrollamos un vínculo inmediato con los personajes y hasta cierto punto causarnos la aversión con sus manías o patologías personales; aplaudo que una directora de cine sepa hacer su trabajo en días como estos, cuando ya nadie se pone a hacer filmes que realmente nos vengan a chocar y trasgredir de manera directa a los sentidos.

Las actuaciones sostienen la historia por completo, el reparto fue una excelente decisión y cuidó los aspectos únicos que tiene esta trama. Bien lo decían los griegos, ‘Todo está dicho, lo que importa es como lo cuentes’ y la historia es nutrida con un contexto bellamente explotado en pantalla, con todos los elementos que necesitamos para tener un filme bien hecho, pero que definitivamente, esta es una de esas películas que uno no quiere ver, pero tiene que ver.

La sociopatía se reinventa con películas como estas, que llegan cada lustro o cada década, y que serán olvidadas por la mayoría de los espectadores promedio, pero que finalmente se perpetuará en quienes sabemos mirar la vida con una óptica distinta a la ordinaria, en quienes tenemos sed de clamarle al mundo por sus errores, y quienes bien sabemos que esta vida, no es para todos los que merecen o dicen ser merecedores de ella.

Clasificación: Para mentes agiles, para psicólogos, psicoanalistas, psiquiatras, filósofos y entendedores de la vida, para quienes estén dispuestos a ver las realidades de la vida diaria.

¿Tenemos que dar saludos?

H.

Sus temas son tanto actuales como realistas, nos ofrecen una óptica distinta al teatro comercial al que podemos estar acostumbrados, se invita al público a divertirse pero también a pensar en las consecuencias de un futuro incierto, y más allá de eso, a aceptar la tragedia, perjuicio o beneficio de nuestros actos. Sus moralejas y el discurso que pregona son simples, tratan sobre la aceptación de varios contextos sociales de la vida diaria, pero el más importante o en el que se centra la obra, es el de desmitificar al macho mexicano y como es que esto ya es casi un ardid o leyenda urbana.

‘¡Ay mariachi, no te rajes!’ – Fotografía por Mari Sustaita.
Todos los derechos reservados.

Carlos Gueta, Jesús Vázquez Blake, Mónica Muruato, Allan Durell, Arol Greta y Rubén Garza son el reparto de esta obra que encabeza el conductor de televisión y actor Mario Bezares. En este montaje los personajes se caracterizan por sus contrastes emocionales, ya que podemos pasar de la risa a situaciones de seriedad o de carácter iracundo, mas todo es manejado en el tono de la farsa y con un toque de comedia que permanece en el aire durante la continuidad del montaje.

Una escenografía que corre a cargo de Raúl Franco, juega perfectamente con los espacios requeridos para la obra, ya que se emula desde un set de televisión, una estancia principal de un hogar, hasta un local de tacos, un salón de manicure, entre otros. Los vestuarios son ad hoc y funcionales, lo cual se agradece ya que a veces el teatro comercial tiende a exagerar o caer en matices absurdos en este tipo de cuestiones técnicas, lo cual es descartado de esta obra.

La música en vivo da un realce degustable a la escena que transcurre con una métrica cuidada en extremo, es claro el talento del director y como es que lleva el timing necesario para que sus actores no se salgan de línea, y nos mantengan en su atención durante el transcurso de dos horas.

¡Ay mariachi, no te rajes! Estará por una corta temporada, sus funciones son:

Lunes y viernes: 8:30p.m.

Sábado: 8:00p.m.

Domingo: 5:00p.m. y 8:00p.m.

Boleto General: $200 pesos. Se pueden comprar en taquilla o en la pagina de Arema.com.mx

Saludos tapatíos.

H.

‘Por casi dos décadas, el espectáculo audiovisual de los Chemical Brothers se ha presentado en conciertos y festivales alrededor del mundo, pero nunca se había documentado. Hasta ahora. En el 2011 los Chemical Brothers tocaron frente a 50,000 fanáticos en el Fuji Rock Festival de Japón. El evento fue filmado usando 21 cámaras que nos sumergen dentro de una multitud frenética, y capturan la mezcla sinestésica de sonido, vídeo y luz que transforma a la audiencia.’ Esta es la descripción que podemos encontrar del evento en la mayoría de las páginas web, y la comparto íntegramente ya que es la mejor descripción que se pueda decir de este espectáculo.

De las pocas cosas que puedo agregar, es que The Chemical Brothers, lo han logrado de manera excelente, este suceso complace a sus fanáticos que nos comparten el fervor, el éxtasis y el frenesí vivido en ese concierto celebrado en Japón,y vaya que el espectáculo se encarga de englobar nuestros sentidos.

En la sala de cine, se veía a la gente sentada en sus butacas, anonadados ante el despliegue inimaginable de contenido visual en la pantalla, rompiendo la barrera de la dimensionalidad y transportándonos a un contexto visual indescriptible. Algunos movían su cabeza al tono de la música, otros más comentaban el filme como si estuviesen tal cual en el concierto, lo importante era dejar fluir lo que cada quien sintiera en el momento, y compartir su sentir sin inhibiciones.

Todos los derechos reservados.

Los temas que abrieron el performance fueron ‘Another World’ y ‘Do it again’, e inmediatamente obtuvieron respuesta entre el público que se le veía entregado por completo en el filme, es maravilloso ver la maestría con la que Tom Rowlands y Ed Simons controlan sus consolas y sintetizadores, ya que nos mueven de un tema a otro progresivamente sin perder tacto en cortar de una canción a otra, simplemente la música nos lleva de la mano de la calma a la estridencia y sentir el golpe en el ambiente.

Tocaron canciones como ‘Horse Power’, ‘Swoon’, ‘Star guitar’, ‘Hey boy, hey girl’,’Out of control’, ‘Saturate’, ‘Believe’ y presentaron ‘Don’t think’ del cual se toma el nombre para este filme, ya que este tema había estado circulando en sus presentaciones desde principios del año pasado y es conocido por ser usado por el cineasta Darren Aronofsky en el filme ‘El cisne negro’ en la secuencia de una discoteca.

Para cuando menos nos pudimos dar cuenta, el filme ya estaba terminando con una excelente mezcla de ‘Galvanize’ acompañada de ‘Leave home’. Fueron apenas 90 minutos suficientes para transportarnos a una realidad de la que fueron partícipes miles de personas, pero que ahora la hacemos nuestra por la sintonía que compartimos todos los fans en común: Su música.

Este filme salió en forma limitada en contados países del mundo, se exhibió desde finales de enero y principios de febrero, para mayor información de donde se encuentra ahora exhibiéndose pueden revisar la página oficial:

http://www.dontthinkmovie.com/

¡Saludos electrizantes!

H.

Reparto: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Beau Bridges, Matthew Lillard, Robert Forster

El filme es una adaptación de la novela homónima escrita por Kaui Hart Hemmings, que a su vez fue inspirada en el cuento corto ‘The Minor Wars’ escrito por ella anteriormente. Se recomienda su lectura para una mejor apreciación cinematográfica.

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Matt King (Clooney) es un abogado que ha tenido la fortuna de ser el apoderado legal de unas vastas tierras hawaianas desde eras inmemorables, pero el fideicomiso establecido para seguir manejando esos terrenos está a punto de vencerse. Aunado a eso tiene que lidiar con un accidente familiar, que ahora le hace responsable de lo único que no había que tenido que preocuparse en toda su vida: Su paternidad.  ‘Los descendientes’ es el nuevo filme de Alexander Payne (Entre copas, Las confesiones del señor Schmidt) que se estrena con antelación y premura para irnos preparando en la terna oscareable 2012.

Este drama con tintes de comedia satírica y a veces ácida, cuenta una anécdota que pudo haberse trasladado a cualquier parte del mundo, lo excepcional en este caso es que se narra en un mundo que creemos conocer solo por su paraíso y encanto, Hawaii es la sede de este conflicto, y nos devela un modus vivendi el cual es como en cualquier otra ciudad o urbe conocida, dejamos atrás las hamacas, cocos y chicos surfeando y nos metemos de lleno en la cuestión habitable, lo cual es un reto ya que como quiera, los paisajes forman parte y reflejo importante de la cinta, manteniéndonos con esta atmósfera en ambiente de un personaje silente que está ahí en constancia todo el tiempo.

Clooney se esmera en mostrar un lado actoral que le es difícil expresar, su emotividad, ya que tiene un carisma que le hace avivar su simpatía y buen humor. En el filme se ven ambos contrastes pero aun así… Clooney sigue siendo Clooney al final del día, este actor parece estar representándose a sí mismo en la mayoría de sus filmes.

A manera personal , este es un filme que entretiene, es light y suave para una tarde amena, carece de retos o vanguardias, simplemente es la historia de un conflicto familiar y vemos su progresión sin muchas peripecias o contrastes. Los filmes de este director suelen ser de este tipo, anécdotas en un lapso de vida de un personaje, justo cuando están a punto del quiebre y como se resuelve su conflicto, pero es todo, faltan las grandes aventuras o un desenlace imprevisto, son momentos de la vida capturados en la óptica cinematográfica.

Este filme ganó el globo de oro a mejor filme dramático y el globo de oro al mejor actor en un filme de drama, así que esta película se perfila para ser una de las considerables en la próxima entrega de los óscares, sin embargo, creo que es exagerado haberle otorgado dichos premios, ya que hay mejores filmes para haber considerado en estos galardones.

Clasificación: Véase como un suceso cotidiano, como un filme sencillo, sin aprendizajes de fondo, como algo que va y viene, para verse en una tarde de familia o solamente si es fan del actor principal.

Mahalo y Aloha kakou.

H.

El cuarteto es conformado por Rodrigo Martínez, en el violín primero, Sebastián García en el violín segundo, Mauricio  Alvarado en la viola y Ana Karen Rodríguez en el violoncello, todos ellos estudiantes de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Su inquietud de formar este grupo nace a partir de la necesidad de expresarle a la sociedad, como es que poco a poco va olvidando la música clásica y la intención es acercarlos y se contagien del gusto musical.

Todos los derechos reservados – Fotografía de Sergio Rodríguez

En su corta trayectoria el grupo ha tenido ya presentaciones en la ciudad de México, en recintos como la sala Silvestre Revueltas en el Conservatorio Nacional de Música en Polanco y una colaboración especial en el Palacio de Bellas Artes. Ahora le tocó a Monterrey tener a estos jóvenes que son pródigos en su tierra.

El ensamble inició su programa con Cuarteto no. 3 en sol mayor de W. A. Mozart, para luego continuar con el Cuarteto no. 12 en fa mayor (americano) de A. Dvořák (segundo movimiento), más esto solo sirvió para calentar motores ya que el público reaccionó al escuchar Libertango de Astor Piazzolla dejando a los asistentes con ansia por continuar el conocimiento musical.

Un breve intermedio y los ánimos seguían encendidos, el cuarteto reanudó el concierto para interpretar Cuarteto Virreinal de Miguel Bernal Jiménez, y sus dos últimas piezas, el son de la negra y cielito lindo con arreglos de los jóvenes, extasiaron por completo a los asistentes, sacando uno que otro zapateo entre quienes permanecían de pié, ya que el auditorio de 173 butacas estaba a reventar; al termino de su última melodía, se derrochó una lluvia de aplausos que clamaba por la clásica ‘Otra, otra’ y para no desairar, el cuarteto reinterpretó ‘El Son de la negra’ pero pidiendo de favor a los asistentes que la cantaran para acompañar.

La tarde cerró con alegrías y sonrisas entre el público, que esperemos se vuelva a reencontrar a Oblivion con su afinidad musical para próximos conciertos, y recordarnos a todos que hay que seguir vigentes en escuchar la música que es parte de la historia.

Para mayor información de próximos eventos del Museo de Historia Mexicana, pueden visitar el calendario de eventos:

http://www.3museos.com/calendariodeeventos/vistageneral.asp

También pueden seguirlos en Twitter o en Facebook

https://twitter.com/3museos

http://www.facebook.com/3museos

 
He Aquí una probadita de Oblivion, interpretando Libertango de Astor Piazzolla

Saludos sin olvido.

H.

Reparto: Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Sacha Baron Cohen, Ben Kingsley, Helen McCrory, Christopher Lee, Michael Stuhlbarg

El filme está inspirado en el libro homónimo escrito por Brian Selznick, se recomienda ampliamente su lectura para la discusión cultural y cinematográfica.

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Para quienes hemos seguido los pasos de Martin Scorsese, fue una sorpresa saber que su siguiente filme sería hecho completamente en 3D y con temática familiar, fue curioso y hasta interesante, sentarse a presenciar el experimento que para algunos resultaría un reconfortante honor a la cinematografía internacional, es así como ‘La invención de Hugo Cabret’ se abre camino en su estreno a nivel nacional.

El talento es un acierto considerable, ya que vemos un trazo de personajes casi arquetípico y remontándonos a la gracia que el humor simple tenía antes, sin ser complicado o rebuscado; la mano del director es clara en su experiencia del manejo de actores, ya que vemos unas interpretaciones tanto satíricas en los momentos capciosos, así como intensas y de sentimiento cuando el momento lo requiere.

Su cinematografía es intrépida, planos arriesgados que solo en 3D hubiesen podido ser explotados en su máxima capacidad, y a pesar de que el filme no abusa en recursos tecnológicos, se nota la planeación intencional para aprovechar la tridimensionalidad. El mismo James Cameron (Director de Avatar) en una exhibición privada le dijo a Scorsese ‘Este es uno de los mejores filmes en haber aprovechado la herramienta 3D, es toda una obra maestra’ (Fuente: IMDB).

Su historia nos cuenta las aventuras y desventuras de un niño que deambula por una estación de trenes, y en su paso conoce a un juguetero que cambiará la percepción por completo del infante. A partir de este hecho la trama avanza en dos vertientes, la primera es para el público ajeno que se deja atrapar por la ficción, y la segunda es para quienes estamos empapados del tema de la cinematografía mundial; realmente el camino es el mismo, pero la visión de este paralelismo se interpreta de manera particular en los aspectos remarcados.

11 nominaciones al Oscar, realmente se justifican y se entiende el ‘Porque’ este es el ‘caballo ganador’ para la academia, este filme abarca la nostalgia de cómo es que a partir de una simple idea, de una invención, salen las creaciones más espectaculares e innovadoras de todos los tiempos. Es hasta ver el producto completo, que entendemos cómo es que Scorsese aceptó hacer el proyecto, cayó en él la responsabilidad y deber profesional y hasta moral, de representar una de las historias más bellas jamás contadas, el romanticismo escondido en la creación del séptimo arte.

Clasificación: El filme está hecho para disfrutarse en 3D aproveche la oportunidad y déjese conquistar por esta historia contada con la maestría que este director podía provocar. Apta para toda la familia y he aquí un pequeño consejo, los adultos mayores la atesorarán y añorarán con gusto y nostalgia.

Saludos inventivos.

H.

Reparto: Rooney Mara, Daniel Craig, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick van Wageningen, Joely Richardson

El filme está basado en el libro ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ del escritor Stieg Larsson, es el primero de una trilogía llamada ‘Millenium’. Este best-seller ya ha sido previamente adaptado al cine en Europa, ‘Män som hatar kvinnor’ fue la versión sueca realizada por el director Niels Arden Oplev. Se recomienda tanto su lectura como la apreciación cinematográfica, para amalgamar puntos de referencia y discusión con la nueva adaptación hollywoodense.

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Lisbeth Salander es una chica que dista de parecer una mujer ordinaria, dentro de sus peculiaridades tiene una en especial, es una excelente investigadora que encuentra con eficacia y escrutinio lo que se propone, es así como cruza su camino con Mikael Blomkvist, afamado periodista que acaba de perder un juicio contra un magnate que lo ha dejado en la quiebra, ambos unen fuerzas para descubrir un misterioso secreto de familia… y a su vez van desmembrando sus propios demonios interiores.

David Fincher es un director que se ha casi convertido en un Rey Midas en Hollywood, filme que hace, es sinónimo de éxito, y aunado a esto, de calidad, prestigio y aplausos del público, tanto quienes lo siguen, como quienes desconocen quien realice los filmes, ‘La chica del dragón tatuado’ no es la excepción, solamente que en esta ocasión, el director reta a Hollywood trayendo una historia contada, como a nadie le gustaría observar, así es, usted está leyendo bien, este filme es la antítesis de cualquier precedente estandarizado en el cine comercial estadounidense, este filme, es el nuevo hijo incómodo en la cinematografía industrial contemporánea.

Si bien pudiésemos seguir diciendo que ‘Este es el filme que usted no quiere ver con sus hijos este fin de semana’, mejor le propondría lo siguiente: ¿Acaso está usted dispuesto a sentarse dos horas, cuarenta minutos de su tiempo y tomarse una dura dosis de ficción… que no está tan alejada de la realidad? El filme es un golpe seco, es visualmente arrollador, introspectivamente doloroso, pero eso sí, que se entienda algo claro, lo anteriormente declarado, NO es sinónimo de que sea un filme malo, es sino todo lo contrario, una obra maestra a la cual hay que hacerle reverencia como a los grandes cineastas de culto.

Todo el filme es cuidado a la perfección, su métrica en la edición, su fotografía, sus actuaciones, su paleta de colores, su música… Pero a pesar de que el filme sea sobresaliente, era evidente que sería ignorado casi por completo para los premios Oscar, logrando solo 5 nominaciones, más realmente esto es lo de menos, lo que importa es que tiene la aceptación de un público maduro, tal vez ni siquiera sea bien apreciada por los cinéfilos en general, pero como lo han declarado los productores, ‘El propósito de traer esta saga a Hollywood es darle gusto a los seguidores de la trilogía Millenium, y a pesar del poco empuje que ha tenido el filme, se realizará la trilogía completa’.

El filme debió haber sido clasificación C, mas está en B15, así que queda a conciencia libre de los espectadores si deben asistir a la sala o abstenerse de ella, de la manera más atenta, sugiero que se vea con ojos de ficción, pero que tampoco hagamos caso omiso a su contexto, la violencia psicológica, que todos, (Me refiero a las nuevas generaciones, a la sociedad, a la humanidad en general.) estamos viviendo en esta actualidad, este filme es un llamado para atender, el grave daño que nos estamos haciendo entre nosotros.

Clasificación: Apréciese por ser la obra cinematográfica que es, desmenuce su contenido, y absorba la problemática que ofrece para el despertar de una conciencia colectiva que todos necesitamos, es tiempo de dejar el hastío emocional y este puede ser un pivote de ignición para encontrarnos en una realidad ulterior.

Para ver lo que les espera en la pantalla, aquí una vista previa oficial de 8 minutos, es en inglés sin subtitulos al español

Saludos tatuados.

H.